PERIODISMO PARA TODOS - LANATA VOLVIÓ A LA TV

Anoche, por la pantalla de canal 13, se produjo, luego de 8 años de ausencia, el regreso de Jorge Lanata a al televisión abierta con el programa PERIODISMO PARA TODOS (gran título, hay que admitirlo). En el medio corrió mucha agua bajo el puente y tenemos a un Lanata historiador, novelista, director del diario Crónica de la Argentina (ya desaparecido), conductor de DDT en canal 26 y haciendo radio desde hace un tiempo en Mitre. Tengo que decir que más allá de sus contradicciones, cuando el gordo hace este tipo de programas me puede. Pasa en muchos casos, Maradona podía hablar muchas boludeces, pero entraba a la cancha y te tapaba la boca. Con Jorge me pasa lo mismo.

El formato de programa está muy bueno. Monólogo editorial de Jorge para la tribuna que hay montada en el estudio, al mejor estilo stand up que desde hace varios años está tan de moda en la calle Corrientes. Entonces la realidad cobra visos humorísticos y deja un poco de ser algo tan dramático como un programa de Majul o Mauro Viale. ¿Qué dijo en el monólogo? Buscalo y fijate, fue lo mejor de la emisión.

Más allá de que el centro del programa sea la actualidad política, hay secciones como diálisis, donde el conductor se somete a este tratamiento de un modo ficticio porque “la realidad me intoxica la sangre”. Ayer le tocó el turno a Victor Hugo Morales, el periodista y relator Uruguayo, con un video de el año 2009 cuando estuvo en DDT tirando un par de palos para Néstor Kirchner  cuando hoy por hoy es alguien que a través de sus declaraciones da a entender que está a favor de este gobierno. Muy bueno también el final con la entrevista a Mario Pergolini en el mismo formato que aquel programa llamado LA LUNA que Lanata alguna vez condujo por América. Son 15 minutos de entrevista y al igual que aquella vez, el entrevistado termina parado frente a un espejo y hablando de cómo se ve.  

Todo muy lindo pero….

(El “pero” te caga todo ¿viste? Es como cuando te dicen algo del tipo “che estuvo bueno, pero fijate en este detalle porque…”. Ya está, te tiran abajo todo lo bueno que te dijeron al principio)

Hace algunos años Jorge Lanata en su programa DDT hizo una editorial en donde hablaba de la exposición que la presidenta Cristina Fernández hizo sobre el caso Papel Prensa. De esa editorial se tomó la famosa frase “me tienen harto con la dictadura” que tanto usa Diego Gvirtz para darle palos al gordo en sus programas ultraoficialistas llamados 678, TVR y DURO DE DOMAR. Lanata se preguntaba si hacía falta estar hablando una hora y media del caso Papel Prensa, “¿no pasa nada en el país, está todo bien, no hay hambre, ni desocupación, ni inseguridad?” se preguntaba el periodista. Hoy podríamos preguntar: Lanata ¿una hora de programa hablando de Boudou y de puerto madero? ¿Es todo lo que pasa en el país? ¿Qué me importa como son los departamentos en puerto madero? Llegó un momento que tanto hablar del caso que involucra al vicepresidente, en el programa se hizo un bache que le quitó un poco el ritmo vertiginoso con el que había comenzado. Y no sólo eso, sino que por falta de tiempo quedaron afuera otros temas como el caso YPF, cosa que el mismo periodista reconoció antes de terminar el programa. Porque seamos sinceros. Supongamos que el vicepresidente fuera investigado, se comprobara su delito y fuera destituido (cosa que me parece correcta). ¿En qué cambia eso? Boudou no es Chacho Álvarez, y recordemos que la presidenta viene de gobernar casi 4 años con un vice opositor.Un poco está bien pero llega un momento en que te hincha las bolas. Si quieren pegarle al gobierno entren por otro lado también, por ejemplo la tragedia de once, ¿no?

Hay que ver como se va desarrollando el programa a lo largo del año. Por lo menos en el canal se retoma una tradición. Antes los domingos a la noche Tato Bores hacía humor político. Lanata no es Tato Bores, obvio, pero la idea del programa parece ser ir por ese lado. En lo personal espero que el gordo no salga de esta pareciendo un soldado del grupo Clarín. Hay que ver qué clase de noticias aparecen durante el año y ver qué trato les da Jorge si de alguna manera estas noticias perjudican al multimedios.

Por lo pronto Lanata volvió a la TV. Y eso para el periodismo político siempre es una buena noticia.  

NEW ORDER EN ARGENTINA

Primero los palos:

Ya me había pasado con los KRAFTWERK cuando actuaron de soporte de los RADIOHEAD allá por 2009. Y anoche me volvió a pasar cuando me acerqué al estadio Obras a ver el show de NEW ORDER y me encontré con que el soporte era PONCHO –grupo conformado por 3 dee-jays argentinos de nombre Javier Zucker, Leandro Lopatín y Fabián Picciano-.

No logro entender que tres tipos se pongan a jugar con sus laptops en un escenario frente a un público. Tendría sentido en una pista de baile, pero no en un escenario en el cual se va a presentar una banda. Me cuesta sintonizar con ese tecno porque el asunto es que falta lo más importante, aquello que te sacude y te moviliza, lo que te puede llegar a conmover o exaltar, es decir, la melodía. Esa es la explicación por la cual bandas como DEPECHE MODE, NEW ORDER, ERASURE, PET SHOP BOYS, INFORMATION SOCIETY entre otros, adquirieron fama emblemática y mundial. Máquinas, sí, pero una voz al frente, un elemento humano tendiendo el puente entre la precisión de lo digital y la imperfección humana.

El gran hit de PONCHO se llama “Please me girl” (el mismo que está sonando en la propaganda de Frávega), y tiene lo que le falta a todo lo demás: la voz de Maxi Trusso, la cual anoche sonó a través de un sampler.  Después es sólo ver a 3 tipos jugando y vos ahí abajo moviéndote para matizar la espera. Ok, Picciano y Lopatín en algunos temas manipularon un bajo y una guitarra, pero cosas muy básicas que tampoco te sacan de la monotonía de las máquinas. Demasiado aburrido para esta clase de escenarios. Estará bueno para armar hits radiales o copar discotecas, donde la gente baila y no está pendiente de lo que hagas sino de lo que pongas, incluso puede ser interesante para el que gusta de hacer este tipo de música en su laptop y quiere ver a un dee-jay en acción, como los músicos cuando asisten a las clínicas dadas por expertos. Pero sigo sin entender el sentido de esta clase de show, dee-jays arriba de escenarios como si fueran músicos de rock.

Luego de PONCHO, mientras los plomos se aprestaban a preparar el escenario para el número fuerte de la noche, justo a un costadito del equipo de bajo, dos dee-jays ingleses que no sé quiénes son, se pusieron a pasar música tecno. Incluso tengo que admitir que más entretenida que la de PONCHO, quienes sonaron demasiado fuerte en un estadio a esa altura semivacío. Estos England Boys, con una puesta bien austera (un mesa a un costado del escenario) y también con ausencia de melodía y a un volumen normal jugaron de una manera más piola, más directa, pero eso sí, ayudados por la inminente presencia de los NEW ORDER y un estadio más lleno.  

Después sí, salieron los NEW ORDER, esta vez sin Peter Hook en el bajo pero a la vez con la vuelta de Gillian Gilbert, su tecladista original, y durante una hora cuarenta hicieron convivir su música con algunas canciones de JOY DIVISION. Un show sobrio donde la voz de Bernard Summer por momentos se perdía, pero lo demás estuvo muy bien. Muy disfrutable. Incluso pude estar a 20 metros del escenario sin que me aplasten ni me empujen y ver hasta las arrugas en la cara de los tipos que estaban ahí arriba. El estadio Obras es un lugar muy bueno para eso, se ve bien desde cualquier parte, lo cual no te hace sentir excluido como en un estadio de fútbol. Disfruté mucho de NEW ORDER, una de las bandas que más me pegó en la adolescencia y que nunca imaginé que vería en vivo. Escuchar TRIÁNGULO DE AMOR BIZARRO, BLUE MONDAY o REGRET fue algo mágico. Y ni hablar con el clásico de JOY DIVISION, LOVE WILL TEAR US APART sonando a toda máquina en el final. Un lindo gusto que me pude dar a los 37 años. Un placer para un tipo atento a todo lo que hace Bernard Summer, tenerlo ahí cerquita y verlo disfrutar de su Gibson SG y su botella de vino. Salud Bernard!! Salud New Order!!! Larga vida al pop de los 80!!!!

Para muestra basta un botón:

GUNS N´ROSES EN ROCK IN RIO (Decadencia live)

Mientras miraba un video del concierto que los Guns N´ Roses dieron hace muy poco en la versión 2011 del festival Rock In Río, no podía dejar de pensar en la fascinación que en cierta medida ejerce sobre nosotros la decadencia de una estrella. Como todos saben el  Guns N´ Roses actual en nada se asemeja a la formación original que supo brillar a fines de los 80 y parte de los 90. En algunos medios especializados se los conoce como “Axel y sus muchachos” o “Axel y una banda que hace covers de Guns N´ Roses”. Lo cierto es que la versión 2011 de Axel es un tanto triste si se la compara con la actualidad de Slash, Matt Sorum o Duff Mc Kagan, todos ellos en buena forma. En cambio este Axel tiene unos cuantos kilos de más, una cara mofletuda, una garganta demasiado mal cuidada, retazos de aquellos movimientos sexys sobre el escenario, algún que otro alarido y muy poco de aquella voz rasposa que solía ponerte los pelos de punta. Además se olvida las letras, desafina y trata de ocultar su cuerpo enfundado en ropa de corte más bien ancho. En la revista Rolling Stone Juan Barberis escribió “notablemente más torpe y estático -con jeans cortados que explotan, remera negra, campera de cuero y sombrero de cowboy-, su magnetismo y su perfil de chico peligroso siguen vivos de alguna manera”. Así y todo no podía dejar de mirar el concierto. Es extraño. Pero la decadencia de una estrella es algo que se me antoja fascinante. Porque uno mira y va buscando los retazos de aquellos buenos tiempos, los recorta y los une para armar un todo. Un todo muy chiquito. Como si fuera un rompecabezas. Revolver la basura, encontrar las piezas, limpiarlas y reconstruir la forma otrora dorada en nuestra cabeza. Todo un pasatiempo pelotudo, ya lo sé, pero no puedo dejar de sentirme como si estuviera debajo del agua contemplando los restos del Titanic.  Y es muy loco vivir esa época de esplendor y 20 años después contemplar los resultados de un proceso tan idiota como autodestructivo. Pienso en el Jim Morrison sex Simbol de Light my fire y en el que murió en París. Pienso en el Charly García de Demoliendo Hoteles y en el de Say no more. O en el Maradona del 86 y este que acaba de cumplir 51 años.

“Acá no importa demasiado que Axl se quede sin aire, se le rompa la voz o simplemente no se escuche. Estamos acostumbrados a ver a nuestros ídolos en cierto estado de desgracia, fuera de forma o recordando sus años dorados. Ejemplos nos sobran.”

Revista Rolling Stone.

La decadencia fascina. Sobre todo el camino de excesos que suele conducir a esta. Y entonces uno duda de la frase de William Blake. ¿Dónde está la sabiduría que nos concede el camino del exceso? Lo que vi el otro día no era precisamente un palacio de sabiduría. Pero Axel hace dinero con los restos de su reinado.  Y muchos asisten a ese proceso de degradación como quién contempla una inmolación pública. Y un poco jode ver al tipo en ese estado. Pero también fascina (pienso en cuantas veces usé esta palabra en lo que va del texto).

“Está hecho mierda” es lo primero que uno dice.

“Pero en algunas cosas se mantiene” dice un rato después.

Y a la vez se pregunta qué es lo que nos provoca  contemplar la decadencia. Quizá la certeza de que algo ya no volverá a ser. Que ha encarado un camino irreversible. Y lo que no vuelve a veces jode. Tanto como aquello que vuelve para terminarnos de convencer que al final lo que queríamos que vuelva no era gran cosa. Que si queremos que algo vuelva es porque nos sentimos vacíos. Que nuestro capricho era tener 5 minutos de fascinación, tomarnos una cerveza y seguir jugando a las cartas. Como en el final de The Truman Show. Consumimos entretenimiento. Y cuando se termina, cambiamos de canal y a otra cosa.

La cosa es llenar los huecos y de paso olvidarnos del vacío. Todo parece servir. Incluso los restos de un reino fugaz. 

MADREAVENOCHE - 10 AÑOS DE ADA SUET

Hace 10 años terminábamos de dar forma a lo que sería ADA SUET (sigla que quiere decir Adiós Al Sueño De La Eternidad), el primer CD de MADREAVENOCHE. Se grabó entre los meses de Julio y Agosto de 2001 en la sala de ensayo SONAR de San Antonio De Padua, en el Oeste del Gran Buenos Aires. Lo que les puedo contar es que se hizo con muy bajo presupuesto y en una Tascam de 4 canales operada por manos mágicas. Se usaron 2 canales para la música y dos para las voces. Primero grabamos los 11 temas de manera instrumental tocando toda la banda en vivo. Luego se grabaron las voces y las tumbadoras para EN EL AIRE. Excelente el trabajo de Alejandro Romero (dueño de la sala y técnico de grabación)) en lo que fue la mezcla del disco: sin computadoras, con consola y a pulmón, un laburo impresionante. No se editó por medio de ningún sello sino que se vendió de manera independiente. Apenas 50 copias. No más que eso. Es a lo que puede apostar una banda de barrio en un precario primer paso. Pensemos que la mayoría de las bandas hoy en día obsequian su material de manera gratuita a través de la web. Que sólo se graban discos no con la esperanza de venderlos sino con la intención de darse a conocer con un sonido decente. Hoy un CD no es una entrada de dinero sino un artículo de propaganda, casi como un imán en la puerta de la heladera. Duele pero es cierto. Todo lo que abunda se desvaloriza. No es sólo una ley de mercado, sino una ley natural.

Después de 10 años tengo que decir que cuando escucho ADA SUET puedo sentir que todavía se sostiene en el tiempo como una obra que intenta abrirse paso entre la ejecución de músicos novatos. No es un disco más. Llama la atención. Y eso a pesar de mis varios pifies de guitarra y algún que otra desafinación en la voz. Porque lo que se escucha no es calidad de sonido sino canciones con fuerza y espíritu. La intención de hacer algo distinto. Algo así como un disco hecho bajo el concepto de CICLOTIMIA SONORA. La presencia de un sello y un estilo compositivo. Tal vez algo inocente pero estilo al fin. Está bien, uno hace la música que le sale. Escucha, escucha y escucha. Y la cabeza es como una licuadora. Mezcla todo lo que entra y larga algo así como un Alien. La música de uno. Música que muchas veces es difícil de clasificar.

El disco atraviesa diversos climas y estilos musicales. Va del rock a la melancolía en diversos tramos. La oscuridad y el no saber qué hacer se pasean tranquilos por las 11 canciones (de hecho EL FILO DEL MUNDO es una especie de tour de force de 11 minutos de duración). Arranca con alguien que admite que dentro suyo tiene a un esclavo voluntario y termina con esa misma persona rogándole a su novia que se digne volver porque ha perdido la dura batalla de convencer la mundo con su visión de las cosas. Las críticas que escuché fueron muy positivas, porque daban a entender que con más laburo y producción se podría haber logrado algo grande para ese momento. Son 11 canciones que a nivel personal me han dado grandes satisfacciones. Canciones que arrancamos componiendo con mi hermano Fabio dotados de un par de guitarras criollas y que han pasado por distintos procesos para llegar a convertirse en lo que quedó registrado.

La formación de MADREAVENOCHE para este disco:

Maximiliano Rivera en guitarra y voz

Fabio Rivera en Guitarra

Pablo Alcaraz en Bajo, coros y tumbadoras (EN EL AIRE)

Gustavo Ovejero en Batería

Oscar Miño en teclados.

A todos ellos no me queda más que agradecer, ya que sin su colaboración y ejecución estas canciones no se hubieran desarrollado como lo hicieron. 10 años ya. Parece mentira. Y de alguna manera son estas mismas canciones, esas ganas de seguir tocándolas, las que motivaron un poco esta nueva etapa de la banda.  Veremos cómo sale. Allá vamos.

LAS CANCIONES

1. ESCLAVO EN MÍ
2. NOCHES BLANCAS
3. APOTEOSIS ECOLÓGICA
4. ABRIENDONOS PASO A TRAVES DE LA NOCHE
5. EL MISMO JUEGO
6. TRATANDO DE HACER UNA REVOLUCIÓN
7. EN EL AIRE
8. FASHION UP
9. ALUVIÓN
10. EL PATIO DE LOS JUGUETES ROTOS/EL FILO DEL MUNDO
11. NENA POR

“Lo más interesante es que no es un disco de rock común sino que transita desde el mas aceptable pop, a ratos por un estilo cercano a Nirvana o algún buen reggae, una fusión que nunca había oído, por lo que puedo decir que disfruté escuchando esta placa.”

Crítica de la revista TERCER RIEL.

"Este Cd es sólo un primer paso, un primer intento de permanecer en una pequeña historia, en la eternidad, esa de la cual nos despedimos cada vez que resignamos un sueño, el sueño más brillante, el sueño de los locos. Es nuestra intención darte algo que vos estás esperando, aunque tal vez ni te diste cuenta de que estás esperando algo. pero así y todo te damos la bienvenida a este subterfugio, esta extraña casa en dónde sólo te esperan un aerosol, una TV, unas cintas viejas y un almohadón que cambia de color cada vez que el cielo no entiende a las aves de la noche."

Texto incluido en la lámina del CD.


Formación Actual de MADREAVENOCHE

Maximiliano Rivera (voz principal y guitarra)
Fabio Rivera (guitarra y coros)
Patricio Mancasola (batería)
Alejandro Cooper (Bajo)

CALAMARO ESTÁ DEL ORTO

Lo de Calamaro es increíble. Seguro que a muchos de ustedes les pasó. Leyeron en un portal que debido a su cumpleaños y a que se cumplen 10 años de EL SALMÓN, Andrés Calamaro colgaba en internet el disco EL SALMÓN X para que todos pudieran bajárselo de forma gratuita. Les pasó de ir a http://www.camisetasparatodos.com/ y descargarlo. Y les pasó que lo escucharon todo o en parte. El mismo contiene 18 canciones inéditas, entre ellas covers de Fito Paéz (11 y 6), Almendra (Plegaria para un niño dormido) y The Rolling Stones (Before they make me run). Pero bien, EL SALMÓN X es lo que sobró de aquella febril hemorragia de canciones que tuvo Andrés desde Honestidad Brutal hasta acá y que derivó en un disco quíntuple titulado EL SALMÓN en donde prevalece más la cantidad que la calidad. Pero vamos a lo importante: el contenido del disco.

Sólo puedo definirlo de una manera: pura basura.

Sólo se salvan, por así decirlo, los covers de los stones y de Almendra, y no porque sean brillantes, sino porque son lo más parecido a una canción que tiene el disco.

Sí, ya sé lo del famoso proverbio y es cierto, a caballo regalado no se le miran los dientes. También podemos decir que cada uno tiene la libertad de bajarlo o no, que Andrés no te cobra por eso, etc… Todo bien. Pero el asunto es que, al menos en mi caso, bajé el disco porque tengo cierta admiración por los desvaríos de Andrés, pero escuchar a un tipo jugando con una portaestudio, deformando su voz, haciendo cosas inaudibles y llamar a eso canciones me da un poco de bronca. Más que nada porque creo que Andrés no necesita prenderse fuego de esa manera. Una cosa son las malas canciones (de última son canciones) y otra cosa es el ruido insoportable. Pero bueno, es sólo una opinión. Que cada uno disponga de sus orejas como quiera. 

THE EXPENSIVE BEATLES REMASTERED

“En los años 60 el formato estéreo no era prioritario en la edición de discos de rock. George martin, de hecho, mezcló en mono hasta Sgt. Pepper. Esto era así porque se asumía que la gente que demandaba sonido estéreo era la que tenía acceso a aparatos de fidelidad mucho más alta que la de un Winco. Y esa gente, creían las discográficas, no quería oír música moderna, hecha por melenudos.” Este curiosidad sonora la extraje de una nota que salió el 06/09/2009 en la revista VIVA de Clarín con motivo del lanzamiento de toda la discografía Beatle remasterizada (o remastered, como más te guste). Steve Rooke, el encargado de tan arduo trabajo, continúa: “Lo único que se hizo fue restaurar el material. Fue como limpiar con un cepillito fino el polvo de la moldura de un edificio histórico. Sólo que se trataba de limpiar sonidos sin reinventarlos. Lo que se sacó fueron, por ejemplo, ruiditos de micrófono inapropiados y clicks eléctricos. Se dejaron tal cual todos los elementos pertenecientes a la perfomance; las toses, el ruido de una silla al correrse, las respiraciones.” Y en un momento de la nota en los míticos estudios Abbey Road, el ingeniero de sonido llega al quid de la cuestión: “Si ustedes lo van a escuchar en un IPOD no le van a estar dando a nuestro trabajo la mejor oportunidad…”. O sea que para poder percibir esta monumental remasterización tanto en mono como en estéreo no te va a quedar otra que ir a Musimundo y pagar por cada uno de ellos unos $ 60 en tiempos en que un CD de cualquier otra banda te sale $35. Incluso cada uno viene con un minidocumental de 5 minutos de duración acerca de la grabación de cada uno de los albums. Lo que sí puedo afirmar es que ninguno de ellos aporta algo que no se haya visto en THE BEATLES ANTOLOGY, el espectacular y exhaustivo documental que la BBC de Londres realizó en el año 1996 acerca de los Fab Four. Y tal cual era de esperarse en tiempos en que todo vuela, estas reediciones ya están disponibles en la red en formato MP3. Me tomé el trabajo de hacer la comparación y tengo que decir que es cierto, no se nota gran diferencia que digamos. Incluso se me ocurre que es una gran artimaña para seguir sacando dinero del bosillo de los millones de coleccionistas Beatles que hay en el mundo. Lo que quiero decir es que no está mal el tema de la remasterización, pero ¿Por qué cobrarlas tan caro? ¿O acaso pretenden que los Beatles salven todo lo que la industria discográfica está perdiendo en manos del popularísimo MP3? Sin ir más lejos, los Rolling Stones han hecho 3 remasterizaciones de toda su discografía y no hubo que pagar de más por ello. En fin, al que no le importe pagarlo todo bien, incluso por $500 podés comprar la caja completa, pero me parece que la vieja y querida industria discográfica esta vez pretende tomar por estúpidos a los millones de fans de THE BEATLES, el ícono cultural más importante del siglo XX.

JARVIS COCKER- FURTHER COMPLICATIONS

Jarvis Cocker está de vuelta, aunque en realidad nunca se fue. Me refiero a que acaba de editar FURTHER COMPLICANTIONS su segundo trabajo como solista luego de la disolución de PULP, una de las bandas más significativas de la década pasada. Luego de un no muy inspirado debut (JARVIS -2006) ahora regresa con mucho más swing, rock y baladas de esas en las que el tipo siempre está tratando de levantarse alguna chica. En este caso se quiere levantar a una chica que conoció en el museo de paleontología (si quieres podemos estudiar los dinosaurios, conozco algunos especimenes que pueden interesarte en la parte de abajo), le hace insinuaciones a una chica que "tiene casi 23 y gana 4,50 la hora" mientras le ofrece una ducha de regalo, es capaz de quedarse bailando con vos hasta el amanecer porque no quiere perderte de nuevo y además no busca una relación sino sólo un recipiente dispuesto. Sí señores, para la mente abierta de la dama y para enriquecer el chamuyo de los caballeros, el tipo que escribió cosas del tipo “No soy Jesús aunque tenga las mismas iniciales, soy el tipo que se queda en casa a lavar los platos (…) me gustaría convertir el agua en vino pero tengo que tener estos platos secos” o “Sin vos mi vida se convirtió en un cuelgue sin final, en una película hecha para TV: malos diálogos, malos actores, sin interés, demasiado larga, sin una historia y sin sexo”, él tipo que escribió estas cosas y que alguna vez te aconsejó que no dejaras que ese hombre te hiciera perder el tiempo, ese mismo, Jarvis Cocker, está de vuelta y goza de muy buena salud. Les dejó el vídeo del primer corte: ANGELA.

                                                                           

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CRÍTICAS:RADIOHEAD EN ARGENTINA

Hay shows que sencillamente no se pueden olvidar. Y uno de ellos seguramente será el que brindó Radiohead en el club ciudad de Buenos Aires en su primera visita a nuestro país. Una experiencia que muy pocos podremos borrar de nuestras mentes. Un viaje de aquellos. Sonido arrollador, impecable puesta en escena con tubos fluorecentes colgando del techo, una entrega total y comprometida con la música, cámaras efectuando un seguimiento estático de cada uno de los músicos muy similar a los paneos que se hacen en los circuitos cerrados de seguridad, tres pantallas de vídeo, más de 2 horas 20 de show, una extraordinaria lista de temas... En fin, lo de Radiohead fue un trip, una explosión de energía, un montón de flashes apuntando a tu cabeza para que vivas un momento inolvidable. Impecable la voz de Thom Yorke, sobre todo en canciones como ALL I NEED y MY VIDEOTAPE (ambas incluidas en su última producción IN RAINBOWS), impresionante lo de Jhonny Grenwood disparando sonidos increíbles desde su guitarra, ni hablar de la base que hacen el trípode formado por Colin Greenwood (bajo), Ed O'Brien (segunda guitarra) y Phil Selway (bateria). Los climas que crearon canciones como KARMA POLICE, NO SURPRISES, FADE OUT o PARANOID ANDROID con la gente coreandolos casi a la perfección son una de esas cosas que merecen vivirse. Incluso en el final, y a modo de sorpresa, la banda arrancó con la canción que la mayoría deseaba escuchar pero que a su vez no esperaba escuchar. Cuando sonaron los primeros acordes de su hit más exitoso (CREEP), ese mismo que está incluido en su primer album (PABLO HONEY) y que los hizo conocidos en todo el planeta, ese mismo que no tocaban desde hace años, la gente deliró y coreo como nunca. La noche estaba completa, no había nada que reprocharles, verlos en vivo valió la pena.

CRÍTICAS:KRAFTWERK EN VIVO

Que KRAFTWERK fue la banda pionera en el hecho de hacer música con computadoras de eso no caben dudas, tampoco de su influencia en grandes bandas de los años 80 y 90, pero el show que brindaron en el club ciudad de Buenos Aires (previo al show de RADIOHEAD) fue una exquisita demostración de frialdad. Frialdad de máquina le podríamos decir. Por momentos no llegué a encontrarle sentido al hecho de estar en medio de una multitud viendo a 4 tipos vestidos de negro, ultraestáticos detrás de 4 laptops haciendo música tecno mientras por las pantallas de vídeo se disparaban imágenes que no llegaban a decirme nada. Mientras miraba pensaba que ese tipo de show seguramente fue algo muy novedoso en la década del 70, donde no bastaba con apretar un botón y disparar loops como ahora sino que había que marcar el tempo golpeando pads y programar cajas de ritmo de manejo un tanto complejo, y a la vez coordinarlas, pero hoy, a punto de terminar esta primera década del nuevo siglo, me parece poco interesante escuchar una voz robótica repitiendo "MEN, MACHINE, SEMI HUMAN BEING" o "MUSIC NON STOP" hasta el hartazgo. Hoy en día cualquiera lo puede hacer en su casa con un programita simple. En fin, creo que serían más efectivos en una exposición de reliquias del arte moderno. Así y todo hubo un par de momentos que sacudieron un poco la modorra, como cuando "tocaron" THE MODEL, mientras por las pantallas se veían imágenes de modelos femeninas de los años 50 y 60. En fin, no estuvo mal como aperitivo, pero es realmente extraño ver como algo que va tan a contramano del calor que propone el rock puede tener tantos adherentes. No hubo ni siquiera un hola o un adiós. Hubo maniquíes robots y un final con trajes fosforecentes, pero no sé, me cuesta entender ese tipo de espectáculo.

TOO MUCH BLOOD

Hay demasiada sangre en las películas, incluso llega a un nivel que, como todo lo que abunda, asquea (y mas si se trata de sangre y no de chocolate). Por ejemplo, hace poco vi PROMESAS DEL ESTE (Eastern promises, David Cronemberg, 2007). La trama es muy buena, pero eso de mostrar como se degüella a una persona, clavarle a otra un cuchillo en los ojos y que se vea en primer plano o ver a una mujer embarazada desangrándose y a su bebé prematuro desvanecido…. O la mismísima RAMBO en donde basta un disparo para que alguien se quede sin cabeza o tajear un abdomen para que alguien ruede colina abajo y su cuerpo se divida en dos partes. Ni hablar de mostrar las heridas o como las mismas se cosen con hilo de matambre. Desde RESCATANDO AL SOLDADO RYAN (Steven Spielbreg, 1998) para acá, incluso pasando por LA PASION DE CRISTO (Mel Gibson, 2004), los ejemplos abundan. Yo digo, ¿es necesario mostrar tanta sangre? ¿Cuál es el objetivo? ¿Volvernos morbosos? ¿Que nos cause gracia ver como una cabeza estalla en mil pedacitos? ¿Competir para ver qué cineasta es el que logra los efectos más realistas? En mi caso particular, las películas de acción me entretienen y me ayudan a pasar el rato, que en definitiva es lo que busco de ellas. Pero últimamente cada tanto tengo que mirar para otro lado par evitar tener nauseas o impresionarme. Tal vez se deba a que soy parte de una generación que creció mirando SABADOS DE SUPER ACCION por canal 11, en donde a lo sumo un balazo generaba un charco de sangre en una camisa, o en donde había tipos que se morían luego de haber recibido un disparo y sin siquiera sangrar un poco. A veces me pregunto qué efecto tendrán estas pantallas morbosas en las nuevas generaciones. Si veo que a un tipo lo tajean y eso me divierte, ¿no voy a tener ganas de probarlo en el mundo real? Es más que obvio que estoy hablando de chicos que encienden la PLAYSTATION y cargan un fusil “virtual” que hace volar a un soldado “virtual” en pedacitos. En fin, que las películas estén tan bañadas en sangre no me parece nada positivo, no creo que generen nada bueno en los que lo ven.

LO NUEVO DE SPINETTA

Un nuevo disco de Luis Alberto Spinetta siempre es bien recibido. No sólo por lo que “el flaco” (como cariñosamente lo llaman sus fieles) representa para la historia del rock nacional, sino porque es un artista único en el mundo en cuanto a su poética y su música. Para sus seguidores y para la música en sí, que Spinetta siga vigente y continúe extrayendo canciones de su inagotable cantera, nunca deja de ser una buena noticia. En este caso la obra se titula UN MAÑANA y continúa en la línea de sus anteriores producciones bien llamadas PARA LOS ARBOLES y PAN. Los que lo seguimos desde hace tiempo ya tenemos en claro que los discos del flaco no suelen calar hondo de entrada y este no es la excepción, y más si comienza con la atmósfera densa y un tanto jazzera de La mendiga. Hay que escucharlo varias veces e ir asimilándolo, ir descubriendo lo que el artista nos quiere decir a través de su lírica un tanto hermética y su compleja musicalidad. Lo que sí se puede afirmar de entrada es que UN MAÑANA está un tanto lejos de ser uno de esos discos fundamentales del flaco como lo fueron ARTAUD, LOS NIÑOS QUE ESCRIBEN EN EL CIELO, TESTER DE VIOLENCIA o, un tanto más acá en el tiempo, el doble CD que editó junto a LOS SOCIOS DEL DESIERTO. Incluso en algunas canciones cuesta digerir su poesía debido a que su voz, ya un tanto gastada por el paso del tiempo, no aparece muy al frente sino como un instrumento más, fundiéndose en una atmósfera compleja y de una sonoridad un tanto reverberada, lo cual hace, en mi opinión, que su lírica se nos pierda de vista y nos cueste paladearla. Por ejemplo, hay frases como “recuerda que la luna es sólo un cuerpo entre tus lágrimas y el vacío sideral” o “y se desvive el alba entre los árboles rotos de luz y sombra, rotos de luz y sombra…” que no llegan a explotar en nuestro oído con toda la belleza de la que son portadoras. Pero más allá de eso el disco tiene grandes momentos como la acústica Hidra al sol (“Sin encuentro la armonía no tiene pie” canta), la instrumental Un mañana que da título al CD, Preso ventanilla (la canción más movida y que remite sin duda a los mejores tiempos de Spinetta Jade), la espacial Hombre de luz, o Mi elemento, la que por estos días es el corte difusión. Luego de escucharlo varias veces queda la sensación de que las canciones y sus complejas armonías podrían haber brillado un poco más, pero eso ya es un tema del productor y de lo que el artista pretende que suene. En fin, son gustos. Supera con creces a su anterior trabajo, pero no así a PARA LOS ÁRBOLES, el cual en mi opinión, es su mejor disco en lo que va de esta década.

THE DOORS IN CONCERT

Por estos días estoy escuchando un CD triple de los Doors que registra los dos conciertos que ofreció la banda (a las 19 y a las 22 horas) en el teatro Arena de la ciudad de Boston el 10 de Abril de 1970. Es uno de los tantos CD que los propios Doors sobrevivientes se han encargado de rescatar, remezclar, remasterizar y editar junto al ingeniero de sonido Bruce Botnik. Los mismos documentan parte de la que sería la última gira de la banda realizó en vida de Morrison. Esta clase de ediciones (por citar ejemplos, Live in Pittsburgh, Live in Hollywood, Live at the Aquarius Theatre, primer y segundo concierto) tiene un gran valor para los fans. En principio, adiós a los CDs piratas con mal sonido. Y en segundo lugar, la posibilidad de escuchar a un Morrison ebrio que por momentos resulta brillante y otros se muestra exhausto, deplorable, insolente, provocador, desafinado y desganado. En el caso de los conciertos en Boston, las diferencias entre uno y otros son increíbles. No sólo en la lista de temas, sino en el ánimo de la banda. En el primero encontramos un comienzo un tanto flojo y lleno de pifies tanto de Morrison como de Robby Krieger, pero de repente esa banda que parece que va a tener una mala noche brinda una versión impresionante de When the musics over o Light my fire, ambos verdaderos tour de force, ni hablar de Mistery train, el cover de Elvis Presley. Viajes épicos en los que la banda gustaba de introducirse y al parecer no tanto de salir. Sin duda uno de los climas preferidos de Morrison, un lugar vasto en donde poder improvisar y jugar con el ánimo y la ansiedad del público, aunque no siempre con buenos resultados. El segundo concierto en cambio es un poco más extenso y caótico, con la banda ya un tanto más en caliente, jugándose a improvisar y a tocar canciones que ni siquiera estaban terminadas como por ejemplo Been down so long que es la que abriría L.A.Woman, su último disco. Los yerros que tienen la banda dan una muestra de lo caótico que podía llegar a ser un concierto de los Doors. Y en mi opinión, mejor así que perfectos, más en una época en donde los discos que se graban en vivo luego son retocados en estudio y lo que llega a nuestras manos es algo prácticamente artificial. Aquí tenemos la pura verdad, lo que realmente pasó, y de alguna manera adentrarse en la escucha de estos discos y cerrar los ojos nos hace sentir como si estuviéramos allí. Así era un concierto de los Doors, todo dependía de cómo Morrison llegaba al lugar, si es que llegaba… Documentos esenciales para los fans que en los años 90 nos deleitamos con las reediciones de In concert y el póstumo Alive she cried. Tal vez sea una comparación absurda pero si escuchás la mayoría de los Cds en vivo que Pearl Jam editó de su gira del año 2000 como motivo de la presentación de Binaural, vas a notar que la banda suena excelente y sin manchas, prácticamente sin pifies, con muy poca variación de la lista de temas. En cambio basta escuchar tres conciertos de los Doors para darse cuenta de qué no sabés con qué te van a salir, que puede ser brillante o deplorable, pero al menos yo, más allá de que el concierto de Pearl Jam en el estadio Ferro Carril Oeste fue uno de los mejores que vi en mi vida, prefiero esa incertidumbre, ese sorprendeme, descolocáme, jugátela, arriesgá. Prefiero eso, a ese Jim Morrison eterno, inolvidable….